CELLO CITY INK
INTERVIEW MIT MAX DYER
von Sera Smolen

SS: Wie bist du dazu gekommen, auf deinem Cello zu improvisieren?

MD: Als ich klein war, haben wir in der Familie im Auto viel gesungen, und ich habe es geliebt, meine eigenen Harmonien dazu zu singen – das war wohl der Anfang. In den 70ern hatte ich dann viele Freunde, die Folksänger waren, und ich habe entdeckt, wie einfach es war, ihre Lieder auf dem Cello zu begleiten. Das hat mir großen Spaß gemacht und war eine willkommene Abwechslung nach all dem intensiven Üben in der Musikschule. Ich habe mehrere Jahre lang mit Songwritern in Großbritannien und dann hier gespielt und mich dabei richtig wohlgefühlt.

Ich lernte Paul English kennen, einen Jazz-Star aus Houston, und meine Frau ermutigte mich, mit ihm zu spielen. Aber ich hatte absolut keine Jazz-Vorkenntnisse, also war es in etwa so, als würde man beschließen, Deutsch zu lernen oder so etwas. Also wurde das Einstudieren seiner Stücke und der Jazz-Standards mein nächstes großes Projekt. Ich besorgte mir das „Real Book“, holte mir Jazzaufnahmen aus der Bibliothek und nahm alle Stücke auf Kassette auf, die ich im Real Book finden konnte. Aber ich war ratlos: Wenn ich Miles Davis ein Stück spielen hörte, schien das kaum Ähnlichkeit mit der Version im „Real Book“ zu haben. Er war weit oben in der „Stratosphäre“, und ich kannte noch nicht einmal die Grundmelodie. Also besorgte ich mir frühere Aufnahmen oder die Original-Songs, auf denen die Jazz-Standards oft basieren. Mein Vater kannte all diese Stücke, ich aber nicht. Ich bin mit den Beatles aufgewachsen.

Ich habe mir auch eine Reihe von Jamie-Abersold-Platten zugelegt. „ii V I“ und „Nothin’ but the Blues“ waren sehr hilfreich. Es war auch von Vorteil, dass ich einen 4-Spur-Kassettenrekorder hatte. Ich suchte mir ein Stück aus, das mir gefiel, und nahm die Bassparts ganz langsam mit einem Metronom auf. Dann nahm ich auf separaten Spuren die Terzen und Septimen der Akkorde auf, wobei ich alles auf dem Cello spielte. Das Lesen von Akkorden und das schnelle Spielen der Terzen und Septimen bereitete mir anfangs Kopfzerbrechen, aber ich wurde nach und nach besser darin, und es ist wahrscheinlich die nützlichste Fähigkeit, die ich kenne, um das Spielen über Akkordwechsel zu lernen.

Ich habe zu diesen Übungsbändern mitgespielt und im Auto mitgesungen, um mir diese neuen Klänge einzuprägen. Ich habe sie mir immer wieder angehört und mitgesungen, bis die Musik automatisch in meinem Kopf weiterging. Von da an haben mich die Akkordwechsel regelrecht in ihren Bann gezogen, und ich lief herum, hörte sie ständig in meinem Kopf und sang Scat. Meine Frau wird dir bestätigen, dass es ziemlich schwer war, mit mir ins Gespräch zu kommen!

Ich rief den Jazzprofessor und Cellisten David Baker an der IU an, und er war so ermutigend. Er schlug mir vor, Jazz zu lernen, indem ich Bebop-Stücke mit halber Geschwindigkeit mitspielte. Er schickte mir ein paar Kassetten mit etwa 40 Bebop-„Heads“ und den dazugehörigen Noten. Zuerst hasste ich sie. Wenn man noch nie Bebop gehört hat, klingt es unglaublich komplex und hektisch. Das sollte ich lernen?? Mein Kassettenrekorder hatte einen Halbgeschwindigkeitsschalter, also war es einfach, die Geschwindigkeit zu drosseln. Dann klingt Charlie Parkers Altsaxophon irgendwie wie ein verzerrtes, düsteres Baritonsaxophon, liegt aber genau im Cello-Register. Ich begann mit „Groovin’ High“, von dem David sagte, es sei ein einfaches Stück, und transkribierte den größten Teil von Charlies Solo Note für Note. Später besorgte ich mir das „Charlie Parker Omni Book“, in dem die meisten seiner Soli transkribiert sind. Ich gab ihnen Cello-Fingersätze, übte sie mit der Kassette und versuchte, Bogenführungen zu finden, die den richtigen Swing erzeugten. Mit der Zeit klang es immer vertrauter, aber am Anfang musste ich mich schon sehr anstrengen. Bakers Ansatz besteht darin, sich die „Licks“ einzuprägen, die die Jazzgrößen verwenden, bis sich die Klänge in deinem Kopf und deinen Fingern festsetzen und die Grundlage für deine eigene Improvisation bilden. Dann liegt es an dir, mit dieser Sprache deine eigene Stimme zu finden.

SS: Welche anderen Hilfsmittel haben sich für dich beim Erlernen der Improvisation als nützlich erwiesen?

MD: Das Programm„Band-in-a-Box “. Es ist ein Musikbearbeitungsprogramm für PC und Mac, das etwa 60 Dollar kostet und in Musikgeschäften sowie im Internet erhältlich ist. Es ist ein sehr nützliches Werkzeug, wenn man Jazz oder eigentlich jede Art von Improvisation über Akkordwechsel lernen möchte. Eingegebene Akkorde werden in jedem Tempo und in vielen Stilrichtungen wiedergegeben, und es macht richtig Spaß, damit zu jammen. Ich schätze das sehr, da es viel weniger umständlich ist als der Vierspur-Recorder, und ich kann nun Teile der Musik, an der ich arbeite, verlangsamen und loopen, um die schwierigen Wechsel zu meistern. Ich kann es wärmstens empfehlen.

Ich habe mir einige hervorragende Lehrvideos ausgeliehen: „Larry Carlton Plays the Blues“ und „Emily Remler Jazz and Latin Guitar“ gehörten zu den besten. Was für großartige Jazzstunden! Emily Remler war eine hervorragende Jazzlehrerin, und sie hat ein Jahrzehnt Unterricht in einer Stunde auf Video zusammengefasst. Es ist so traurig, dass sie gestorben ist. Ich bin kein besonders intellektueller Spieler, und sie zeigte mir Wege, Jazz instinktiv zu spielen, indem ich lernte, Terzen und Septimen zu hören und meine Soli dann auf diese „Leittöne“ zu stützen. Sie legt auch großen Wert darauf, mit einem Metronom auf der 2 und 4 zu üben, was beim Erlernen des „Swing“ zu großartigen Ergebnissen führt.

Außerdem ist „Jennie’s Jazz“ ein Internetforum für Jazzliebhaber auf der ganzen Welt mit vielen guten Tipps zum Thema Improvisation.

SS: Beschreibe doch mal, wie du deine Improvisation trainierst – wie wärmst du dich auf?

MD: Das ist immer unterschiedlich. Während des „Aufwärmens“ beginnt die Musik in mir zu fließen, diese innere Stimme fängt an zu singen, und dann bin ich für den Tag bereit. Eine bestimmte Art von Musik kreist einfach in mir herum, und ich höre sie ständig. Ich schätze also, auf einer gewissen Ebene übe ich, ob ich will oder nicht! Ich bin mir nicht sicher, ob das die beste Methode ist, aber so läuft es bei mir. Das Wichtigste für mich ist, eine Seele zu kultivieren, die bereit ist, sich wie ein Wasserhahn anzuschalten. Dazu gehören viele Dinge, die nicht speziell mit Musik zu tun haben. Ich meditiere auf verschiedene Arten, mache Feldenkrais-Übungen zur Körperwahrnehmung – das ist so ähnlich wie Yoga –, lese die Bibel und mache andere Dinge, die mir Kraft geben. Ich liebe Fritz Maggs „Hour of Daily Calisthentics“ und eine einstündige Tonleiter-Routine mit einer Million Bogenstrichen von Francois Rabbath. Die Bassisten nutzen das, und es bringt einen wirklich in Schwung.

Ich bin mir sicher, dass jeder seine eigenen Aufwärmroutinen entwickelt, aber das Ziel ist immer, die Technik zu vergessen und das zu spielen, was man hört. Wenn man wirklich etwas ausdrücken will, finden die Finger mit ein wenig Übung schon einen Weg.

Wenn ich Partituren einstudiere, nutze ich „Band-in-a-Box“ ausgiebig. Eine gute Methode ist es, die Akkordwechsel durchzuspielen und dabei zuerst den „Kopf“ oder die Melodie zu spielen. Ich spiele die Bassnoten, die Terzen, Septimen und Nonen und versuche dann, diese „Leittöne“ so melodisch wie möglich miteinander zu verbinden. Aber wenn mein Gehirn müde wird, jammere ich einfach drauf los und schaue, wie viel ich behalten habe. Es ist an dieser Stelle sehr hilfreich, mich selbst aufzunehmen, während ich die Akkordwechsel spiele.

Man muss bedenken, dass dies ein langsamer und schrittweiser Prozess ist und man keine schnellen Ergebnisse erwarten kann. Das Verinnerlichen erfordert bei mir unglaublich viel Wiederholung. Aber ich arbeite an dem, was ich liebe, also macht mir das Spaß. Ich werde nie müde, zu „Falling Grace“ von Steve Swallow zu jammen.

Woran denkst du, wenn du alleine unterwegs bist?

MD: Nicht besonders viel!! Ich bin kein Typ, der Mathe, Kreuzworträtsel oder Schach spielt und dazu noch Jazz musiziert. Ich höre in meinem Kopf wunderschöne Klänge, und ich glaube, ich spiele am besten, wenn ich möglichst wenig nachdenke. Ich schließe einfach gerne die Augen und lasse es krachen. Aber bei schwierigen Akkordwechseln muss ich leider doch nachdenken und versuchen, mir ein paar Dinge zu merken. Ich erstelle mit meinem Band in a Box eine Schleife des schwierigen Akkordwechsels und jame dazu auf dem Cello. Außerdem nehme ich mir Kassetten auf, zu denen ich im Auto mitsinge, während ich herumfahre, und irgendwann verinnerliche ich es. Dann finde ich ein paar gute Noten oder Licks für diese Stelle und versuche, sie mir zu merken, damit ich zumindest etwas habe, woran ich mich bei den schwierigen Wechseln festhalten kann.

Live vor Publikum zu improvisieren macht so viel Spaß, weil man dabei wirklich an seine Grenzen geht! Man erzeugt „Klänge“, die genau zu diesem Moment zu passen scheinen. Man lernt, sich im Moment selbst zu vertrauen, um wunderschöne Dinge zu erschaffen. Und man wird immer besser darin, das zu spielen, was man im Kopf hört. Manchmal höre ich, wie die nächste Idee entsteht, kurz bevor sie auf dem Cello erklingt, und dann entfaltet sie sich von da an; manchmal bin ich so vertieft und intensiv dabei, dass ich nicht sicher bin, was ich tue, aber irgendwie funktioniert es. Wenn man ein Solo spielt, unterstützen einen die anderen, helfen einem, feuern einen an. Und man tut dasselbe für sie. Und es ist so befreiend, sich davon mitreißen zu lassen.

Wenn ich darauf warte, dass ich an der Reihe bin, ein Solo zu spielen, versuche ich, mir nicht schon vorher zu überlegen, was ich machen werde. Wenn ich diesen Fehler mache, geht es immer schief. Stattdessen höre ich ganz genau zu und versuche, ganz im Moment zu bleiben – bis zu dem Moment, in dem ich anfange zu spielen. Oft beginne ich mein Solo mit einer Idee, die die letzten paar Noten des vorherigen Solisten aufgreift. In meinem Solo nutze ich wahrscheinlich nur einen Bruchteil dessen, was ich könnte, aber wenn es frisch ist und ich es noch nie zuvor gemacht habe, dann bin ich zufrieden. Oft kann ich mich nicht daran erinnern, was ich gespielt habe, aber ich habe das Gefühl, dass, was auch immer es war, meine eigene „Stimme“ gesprochen hat.

Wenn man Abend für Abend auftritt, ist die Versuchung groß, zu versuchen, ein „Höhepunkt-Erlebnis“ nachzustellen, das vielleicht am Abend zuvor stattgefunden hat. Es ist so wichtig zu lernen, alles, was zuvor geschehen ist, loszulassen und wieder ganz von vorne anzufangen. Erwartungen können eine echte Ablenkung sein. Man muss „aus der Routine ausbrechen“ und zulassen, dass etwas völlig Neues entsteht. Ich glaube, das ist für mich der schwierigste Teil beim Auftreten.

SS: Sonst noch etwas?

MD: Ja, ein Zitat von Charlie Parker:

„Beherrsche das Instrument, lerne die Akkordwechsel, dann vergiss den ganzen Mist und spiel einfach!“

– Sera Smolen für CELLO CITY INK, New Directions Cello Association

NEWSLETTER DES NEW DIRECTIONS CELLO FESTIVAL, Band 5,
Nr. 2 Herbst 1998

CELLO CITY INK
NEWSLETTER DES NEW DIRECTIONS CELLO FESTIVAL Band 5, Nr. 2 Herbst 1998

„Max Dyers Cellospiel verbindet die Schönheit einer ausgefeilten klassischen Technik mit der Seele und Spontaneität eines großartigen Jazz-Improvisators. Seine Erfahrung mit einer Vielzahl von Stilrichtungen kommt in jeder einzelnen Note zum Ausdruck, die er spielt.“
Chris White, Direktor, New Directions Cello Festival

Max Dyer ist ein klassisch ausgebildeter Cellist, der in allen Bereichen auftritt – von Oper und Kammermusik bis hin zu Jazz, Folk und Renaissance – und zudem eine Vorliebe für klassische indische Musik hegt. In den 1980er Jahren spielte er im Houston Symphony Orchestra und ging mit diesem auf Tournee. Derzeit spielt er im Houston Ballet Orchestra. Sein Jazz-Trio PICO spielte beim NDCA-Festival 1998 sowohl eigene Kompositionen als auch Jazz-Standards. Max teilte außerdem seine Herangehensweise an das Erlernen von Jazz als Cellist in einem Workshop mit dem Titel „Playing Over Changes“